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n° 337, July 2022
Anthony GIRARD, 2005
As some aesthetic currents cross the borders, Vincent Paulet remains unquestionably a French composer. He inherited from Franck, Fauré, Debussy, Ravel, Poulenc and Dutilleux and made this inheritance blossom freely following his own personality. Ravelian in music and in thoughts, perhaps would he make his own this sentence by the composer of Daphnis et Chloé : “I, the most internationalist of all men, am strongly nationalist in art. In art only.” If Vincent Paulet likes French music, it might be merely because he looks at the world from the place where he lives, in all simplicity. However, like his elders, his admirations lead him to the gates of Great Europe and he conceives neither Franck and Debussy without Wagner, nor Poulenc without Stravinski, or Dutilleux without the Vienna School.
Vincent Paulet is a composer with a flawless craftmanship. Come to maturity when the theory of tabula rasa was still ruling the French small musical world, he kept away from it, choosing to successfully attend harmony, counter-point, fugue, scoring and analysis courses except composing courses. At that time, following both paths at the Conservatoire Supérieur de Musique de Paris was frowned upon. “I have never resorted to a composition teacher, besides I think a composition teacher is totally useless”, he said. “Actually the pieces that fascinate you, mark you to such an extent that, in the first place, your own writing is influenced by them, then it finally expresses itself in a personal language progressively appeared after a natural and unconscious process; that is what makes a true “composition lesson”.
Despite his vast culture and savoir-faire, Vincent Paulet remains an intuitive composer. No cunning device in his work, very few abstract tricks except in some of his youth works, but an exclusively musical thought, expressed from the beginning by means of sounds and developed in the same way. An honest craftman, he does not cheat, does not need the props of ready-made systems. He composes slowly, not worrying about producing a prolific work he would not be satisfied with. Some close friends will know : everyday, when he starts composing, he sits down first and sings to himself the whole score already written, in tempo, in order to see clearly where to fit what he is about to create in the time of the work. L’Office des adieux, a wide and magnificent piece of orchestra, a state commission, took him fourteen months of strenuous work, and the shorter works have not been less demanding in proportion. One could apply to Vincent Paulet these remarks held by Paul Dukas - an other composer of a rare work - in front of his composing class : “It is not necessary to write a lot, twenty-five pages are enough (see L’Après-Midi d’un Faune). But it is precisely those twenty-five pages that our current musical literature is missing.”
Slowly, but with passion and sincerity, Vincent Paulet wrote some of those pages necessary to our time : this orchestra in turns rarefied and dark or so bright in L’Office des adieux, Musique pour douze instruments, a piece so rightly honoured by the jury of the competition Alea III in Boston in 1997; or In memoriam Manuel de Falla, a commission from la Casa de Velazquez when the musician was in residence there. And, amongst the other pieces to quote, we should not forget to include several organ pieces.
There is a religious dimension which may or may not appear in Vincent Paulet’s work, the author being loath to attempt to impose a way of hearing on his audience through long texts acting as ready-made thinking. However, in the choice of subjects, of titles and of certain considerations, this dimension shows clearly, though with discretion. In his music as in his life. He does not need the golden tints and the splendour of the cathedral. The Gregorian themes come naturally under his pen, developed, altered, and slip into his style, although so different from the style of the anonymous musicians who forged the repertory : La Ballade des Pendus, L’Office des adieux borrow from it, as well as the Salve Regina or the Verset sur Ave maris stella, organ pieces whose titles are more transparent. More than a musical reference, it is a true influence. In the Verset sur Ave maris stella, numerous sentences, entirely in his style, are as many lines remotely stemming from Gregorian monodies : insistant come-back of a chosen note, melodic amplification, stability of the mode - although those of the composer may be irreducible to a scalar diatonic theory.
Another typical trait of the composer, is the apparent complexity of his music. And yet, he does not want to make the task of the interpreter difficult. More than once, while discussing the string parts of a piece or even more regularly during the composition of the Psaume 129 for mixed choir a capella, this concern surfaced, showing the care of the composer to write as simply as possible. But this willingness comes up against the demands of his art, the richness of his harmonic universe as well as against the flexibility and the fluidity of his rhythmic, that he can not write other than with the very precise values of his scores, with lines that burst forth, limpid or tragic, with progressive accelerandos or rallentandos. According to him, his writing little varied since he started :
“As always in my music, it is a flexible rhythm, a kind of rubato written as precisely as possible (which makes it appear often complicated, despite all my constant efforts to simplify it.)”
But we must come up to one of the greatest particularities of the composer’s style : Vincent Paulet is a thematic composer, that is to say he invents themes, gives them to hear, even to hear again. He plays with them and varies them. That is why we can say he is a truly daring musician who does what very few composers have dared to do for half a century. How can we claim “to be of our time” and not use methods, processes and even these good old series almost secular ? Vincent Paulet does not pretend anything, he does not wrap his music in heavy and dissembling comments. On this aspect of his work like on all the others, neither manifesto, nor rough definite position; Vincent Paulet makes his way like Henri Dutilleux, one of his favourite composers : with sureness and discretion. He just composes, taking all the risks, relying on no one but himself :
“The methods of a serial type (although applied to thematic elements which are never true series and which have a real thematic profile - and a thematic role -) progressively faded away from my discourse, to the advantage of more direct developing forms, actually simpler, at least when listening to them : however let us not think it is easier to write : actually, it is much more tedious, and more demanding; one will never gauge enough to what extent resorting to systematic methods, even very complex (as, for instance, the harmonic presentations - I prefer this term to “coagulations” - in triple canon that we can see (if we are sharp-eyed!) in La Ballade des Pendus) is a readiness for the composer; write without the help of any system, here is the real difficulty, the supreme requirement : the ear, nothing but the ear, in an utter submission to inspiration.”
The language of the composer is not necessarily obvious to grasp for those who are not familiar with the great creators of our time, such as Bartok, Stravinski or Dutilleux. But he is neither dark, nor of a cryptic coherence which would only appear through a Benedictine study of the score. One only has to listen and the themes come out, lively, with their shimmering and varied harmonics. The musician’s discourse carries one away. With his particularities, he only tries to make himself understood :
“Making my work easily understood by my audience is, anyway, one of my priorities, and it is no doubt what brought me, although in a progressive and unconscious way, to establish a more direct communication with the listener (in L’Office des adieux, for instance, not a single element of the thematic discourse is concealed). There is nothing demagogic in it : I am indeed my own (and my first) audience (...).”
This prominence of the thematic discourse may progressively prove itself in the creator’s work but it is there, way before what this quotation would make us think. Le Grand Stellaire or Laus (1991-1992), for instance, are pieces which thematic path can be easily followed. This legibility is found in all the most recent major pieces : In the Deuxième Quatuor à cordes, en forme d’études (1994), which structure in several parts does not prevent from being a succession of variations. In Musique pour douze instruments, so undivided/unifying and so rich. In the Psaume 129, a choral fresco a cappella nearly twenty minutes long, which carries away the listener from the first to the last words. For, if Vincent Paulet requires some involvement from his listener, it is indeed the following one : listening and remembering from beginning to end. If the listener lets himself be seduced by his muse, then the piece will never leave him.
Philippe Cathé,
Université de Paris IV - Sorbonne, 2006
http://www.musicweb-international.com/classrev/2011/Mar11/Paulet_HOR080.htm
The works here all date from Paulet’s early years, the years, indeed, during which he found his musical voice: everything except the Sonatine was written between 1987 and 1996. The piano, played to great effect by Jean-Michel Dayez, is central to the feel and substance of this CD. It’s Paulet’s second instrument.
La Ballade des Pendus itself is the most substantial item on this CD; it sets Villon’s Epitaph and is performed here with real sensitivity combined with … excitement. Seemingly an odd combination, the players’ enthusiasm is nevertheless highly successful. Very appealing. Mezzo, Isabelle Soccoja, sings with real insight into the music; while never relying on the inherent musicality of Villon’s words, she communicates every nuance both of the texts and Paulet’s empathy with them.
Nuit arose out of an equally unlikely-sounding juxtaposition: the stage and a lullaby. Again, it’s a testament to Paulet’s incisive vision and the skill and perception of the players that this works as well as it does. Although the piano is treated as a melodic instrument, its colours are quietly recognised and the virtuosity of Dayez’s playing is not overlooked; there is nothing showy or gratuitous. By now, listeners new to Paulet’s work and world will have an unambiguous sense of just how substantial his music is.
Partita 2 was written for the dedicatee of the piece, Pascal Ravez, initially without the piano; Paulet soon saw the need to reinforce his ideas harmonically. It won the first prize at the International Flute competition in Kobe (Japan) and is regarded as Paulet’s first mature and acknowledged composition. Marion Ralincourt’s playing is immediate, suave and highly communicative.
The Sonate pour violoncelle et piano lasts almost as long as the Ballade. It’s both impressionistic and full of variety. Although nodding in the direction of the styles of the Second Viennese school, and Webern in particular, in its fragmentation, the Sonata is strikingly holistic in its tonal centre and in emphasising the instruments’ sonorities yet not relying on them. Gagnepain and Dayez’s playing is penetrating as it demonstrates togetherness in their sense of line and adherence to the rhythms that move the piece forward.
The Sonatine pour violon et piano and Sur un nuage are both short and condensed. They, too, show the influence of Bartók. There are autobiographical elements in each - if in no other sense than that they convey yearning and unease. There were obviously compositional challenges to make as much of the shortness into which Paulet condensed his ideas. They are challenges to which he rose very well indeed. The results are memorable and highly pleasing.
All these performers, then, start by being demonstrably in full accord with the spirit and quite precise compositional aims of Vincent Paulet. Irony is underplayed. Pathos is not dramatized. Subtlety (in evocation of night or stasis, for example) is left nuanced, yet is not too subtle as to be a mirage. The gentleness and tension of this music go hand in hand and demand a precision which is delivered throughout the hour and a quarter of music on this CD. By its end, one longs for more music by this composer, who shares Messiaen’s spiritual richness, the delicacy of Debussy and Chausson and even the flair and warmth of Iberian culture. Paulet has lived and worked in Barcelona.
The disc comes with a full, informative and very communicative set of essays by Paulet and brief biographies of the performers. The recording quality is excellent, and the acoustic close and supportive of the music. If this is the kind of musical enterprise that either intrigues or piques your curiosity and/or you want to be left satisfied by new and exciting music, this is definitely one you should be looking at closely.
Mark Sealey
www.codaex.com
Ce n’est pas un choix de ma part : la commande qui m’a été faite en 1988 m’imposait ce texte ; mais j’ai adhéré à cette proposition, car la profonde humanité de ce poème m’a toujours touché : Villon, qui, en l’attente de son exécution, aurait composé cette « Épitaphe » à son propre usage, nous implore, nous, ses « frères humains », de prier pour sa rédemption.
En mettant en musique ce poème, j’ai surtout cherché à laisser s’épanouir la musicalité des mots, en développant et commentant les différentes idées du texte, vocalement mais aussi instrumentalement (entre chaque strophe intervient un commentaire purement instrumental), parfois de façon ouvertement figuraliste, car Villon n’est pas avare de descriptions macabres : l’effectif instrumental, composé d’un quatuor à cordes, d’un piano et d’une clarinette tour à tour menaçante, caressante ou apocalyptique, offre une palette sonore inépuisable à qui veut suggérer le vent, la pluie ou les corbeaux… quand ce n’est pas le balancement des cadavres. Mais on aurait tort de ne voir dans tout cela que de la noirceur : Villon fait aussi de ce poème une prière et nous adresse un message d‘espoir ; à la fin de l’oeuvre, je souligne cette dimension en citant le début d’une antienne grégorienne : « In paradisum », reposant sur une harmonie transfigurée.
Le piano est présent sur toutes les pièces du disque : joue-t-il un rôle particulier dans votre écriture ?
C’est mon instrument de prédilection, mon prolongement naturel en quelque sorte, puisque je m’en sers aussi bien pour composer que pour lire des partitions, improviser ou enseigner ; mais le fait que le programme du disque tourne autour du piano est surtout dû à la présence de l’un des plus fidèles interprètes de ma musique : Jean-Michel Dayez.
Comment avez-vous choisi les musiciens ?
Jean-Michel Dayez, qui a également participé au choix des oeuvres, m’a proposé deux de ses partenaires : Marion Ralincourt et Xavier Gagnepain ; de mon côté, je connaissais de longue date Isabel Soccoja et les musiciens du quatuor Parisii (lesquels ont proposé à Florent Héau de se joindre à eux) pour avoir déjà travaillé avec eux sur la « Ballade des pendus » ; quant à Nicolas Krüger, je l’ai connu à l’occasion de la première audition à Londres de mon « De profundis », où il dirigeait les BBC Singers. Je dois dire que je ne regrette rien de cette distribution : l’engagement de tous, palpable à l’audition, apporte à l’interprétation une autorité et une force de conviction que je trouve irrésistibles.
Pour vos oeuvres, quelle place joue le concert vis-à-vis du disque ? Sont-elles reprises en concert après leur création ?
Oui, la plupart sont reprises, certaines plus que d’autres, comme, sur ce disque, « Partita 2 », qui, depuis le prix qu’elle a remporté en 1987 au Japon, figure au répertoire de nombreux flûtistes. Pour un programme discographique, j’essaie toujours de rassembler des oeuvres qui ont suffisamment « tourné » en concert (« Le grand stellaire » ou le « De profundis », précédemment enregistrés, avaient été joués plus de 30 fois), ce qui apporte au disque une maturité que l’on risquerait de ne pas obtenir en choisissant des partitions plus « fraîches ».
En dehors de la littérature, quelles sont vos sources d’inspiration ?
Tout ce qui peut enrichir mon imaginaire ; mon univers intérieur est fait de spiritualité et de délire (Jérôme Bosch y côtoie Greco et Dostoïevsky… Boby Lapointe !), ces tendances apparemment contradictoires se nourrissant mutuellement, ce qui explique sans doute la diversité et la mobilité de la musique que j’écris.
Appartenez-vous à une école ou à un mouvement ? ou défendez-vous une esthétique particulière ?
Je crois que l’on peut utiliser les ressources d’une écriture d’avant-garde tout en pratiquant un art relié à la tradition : la musique que j’écris ne s’interdit aucun moyen d’expression, du moment qu’il soit au service d’un contenu artistique authentique et sincère ; cette position, aussi éloignée des conservatismes que des esthétiques de rupture, constitue une sorte de troisième voie, pas toujours confortable ; en tout cas, je revendique fièrement cette indépendance.
Propos recueillis par D.M.,www.codaex.com
Radio-France webletter, n° 409
Vincent Paulet, un volcan souterrain
L’Orchestre Philharmonique de Radio France créera Volcaniques de Vincent Paulet le 19 novembre prochain, salle Pleyel.
Vincent Paulet, je crois que votre nouvelle partition, Volcaniques, est le produit d’une commande assez ancienne...
En effet, il s’agit d’une commande de Radio France datant de 2002, époque où René Koering était directeur de la musique. Radio France, contrairement à ce qui se passe dans de nombreuses institutions, attend, avant de les programmer, de recevoir les œuvres qu’elle a commandées. C’est une démarche que j’apprécie, qui permet au compositeur de ciseler sa partition, mais qui est dangereuse quand on tombe sur un perfectionniste comme moi, qui doute et se remet toujours en question, qui relit toujours deux cents fois son travail ! Quel que soit mon degré d’inspiration, la composition musicale est toujours pour moi quelque chose de douloureux.
Ce qui veut dire ?
Que j’éprouve de l’angoisse à composer, mais que je ne peux pas m’en empêcher. D’abord, parce que je ne sais faire que ça, ensuite parce que j’espère que ce que je fais est utile. Mais je m’impose des horaires de bureau pour ne pas me disperser, pour ne pas trouver de prétexte pour faire autre chose. Ce qui ne m’empêche pas de passer quelquefois une semaine sur une note ou deux semaines sur une mesure. Je pratique le doute méthodique.
Vous dites que ce que vous faites vous paraît utile : la musique, comme d’ailleurs l’art en général, n’est-elle pas au contraire ce qui, par définition, est inutile ?
D’abord, la musique que je fais m’est utile, à moi. J’en ai besoin. Et puis, je sens qu’il est nécessaire, salutaire, de transformer la vie quotidienne, qui avec ses limites a quelque chose de dérisoire.
Comment avez-vous fini par terminer Volcaniques ?
Volcaniques est une partition que j’ai écrite en différentes périodes. Tout s’est mis en place un peu à la fois, sachant que les contraintes de départ étaient peu nombreuses : composer une œuvre pour orchestre d’une durée comprise entre quinze et vingt minutes. Je travaille sans plan prédéterminé. Les idées déterminent la forme et la façonnent. Au début, tout paraît très simple, la mécanique répond à l’imagination ; les difficultés surgissent par la suite ! Il est loin le temps où, comme au XVIIIe ou au XIXe siècle, l’architecture des œuvres était préfabriquée. Il s’agit aujourd’hui d’inventer à chaque fois une forme nouvelle. Pour Volcaniques, je suis arrivé à une forme en trois mouvements, vif-lent-vif, les deux derniers étant enchaînés, bien qu’il y ait du silence après chacun des deux premiers. Le premier mouvement est une énigme, quelque chose de nerveux et d’agité. Les deux suivants sont une réponse avec, dans le deuxième mouvement, deux grandes parties mais aussi une procession faite de différents costumes et un vaste crescendo ; et, dans le troisième, trois sections dont une section centrale immobile sur une pédale de contrebasses.
Vous parlez de procession, de costumes : s’agirait-il de musique à programme ?
Non, mais j’ai un tempérament assez visuel, et ce type d’image m’aide à fixer mes idées musicales. Quant au titre, c’est l’expression d’une synthèse, qui m’est venue plus tard, sachant que dans le deuxième mouvement, le volcan est souterrain.
Ecrivez-vous au piano ou directement pour l’orchestre ?
J’écris devant un piano mais pas exactement pour le piano. Généralement, je fais d’abord un condensé sur deux, trois ou quatre portées, puis j’orchestre. Mais je vais dans l’avenir tenir de plus en plus compte du timbre, qui n’a jamais été structurel dans ce que j’ai fait jusqu’à aujourd’hui mais qui pourrait le devenir. Je n’appartiens pas à une esthétique de la rupture. Ma musique est thématique, harmonique, mélodique, elle ne répugne pas à cultiver la pulsation rythmique. On oublie trop souvent, dans nos débats franco-français, de parler d’art, on parle trop de technique. Je ne m’interdirai jamais un accord parfait s’il donne un sens à ma partition.
Propos recueillis par Christian Wasselin
En 1995 et 1996, Paulet développa des éléments issus d’une pièce de théâtre musical : en résultèrent Nuit pour piano, dont les bouillonnements s’éveillent d’une ténébreuse rêverie, puis la Sonate pour violoncelle & piano, jouant de réminiscences stylistiques éparses (dont La Valse de Ravel), mais d’une écriture moins convaincante dans sa nudité. La micro-Sonatine pour violon & piano de 2003 (trois mouvements en trois minutes, qui dit mieux, Webern excepté ?) semble d’abord transformer les instrumentistes en derviches-tourneurs, avant un mouvement central aussi tragiquement désolé que La Ballade des pendus et un finale incisif. La plus récente pièce, Sur un nuage, qui fait tournoyer en moins de trois minutes des humeurs… atmosphériques, précède juste Volcaniques qui sera créée le 19 novembre prochain à Pleyel par l’Orchestre philharmonique de Radio France sous la direction de Lawrence Foster.
Après le poignant De profundis (Hortus : 036), la deuxième monographie consacrée par le label Hortus à Vincent Paulet consacre un créateur mû par une sensibilité soucieuse de sa seule vérité intérieure, indépendamment de tout apparentement d’école.
Sylviane Falcinelli, http://leducation-musicale.com/newsletters
Vincent Paulet, l’orchestre volcanique
Né en 1962, Vincent Paulet appartient à une génération de compositeurs pour qui la rupture avec la tradition musicale n’est plus ressentie comme une nécessité. Son langage musical s’enracine en effet dans l’histoire de la musique française et s’attache à des valeurs telles que l’expression mélodique, la pensée harmonique ou le rapport tension-détente. Le discours musical de Vincent Paulet cherche ainsi à traduire des émotions et surtout, se veut accessible à l’auditeur non spécialiste. Mais il ne tombe pour autant pas dans le caractère racoleur qui menace certaines musiques bâties sur ces principes. La musique de Vincent Paulet non seulement charmera l’auditeur, mais a de surcroît toutes les ambitions : raffinée, librement atonale, elle résulte des aspirations spirituelles du compositeur qui cherche à transformer le quotidien en œuvre d’art.
S’il a jusqu’ici plutôt été remarqué pour ses œuvres chorales (notamment grâce à son enregistrement monographique De Profundis paru en 2004 chez Hortus), Vincent Paulet se consacre depuis quelques années à l’orchestre. Sa nouvelle pièce, Volcaniques, est en gestation depuis 2002. Fruit d’un long travail, elle a été le fruit de nombreuses remises en cause dans la pensée musicale du compositeur et constitue une étape essentielle (un aboutissement ?) dans l’évolution de son langage depuis quelques années.
Pourquoi ce titre de Volcaniques ? Le compositeur explique que le titre s’est imposé à lui après l’écriture de l’œuvre comme pour rendre compte après coup de son essence. Et cela se passe toujours ainsi pour lui. Cette pièce pour grand orchestre, avec les vents par trois, avec percussions et piano, est « volcanique », spectaculaire, virtuose et agitée.
Vincent Paulet trouve l’insertion de Volcaniques dans un programme de musique française listant Ravel et Dukas à la fois intimidante et réjouissante. Intimidante, car il est toujours dangereux, voire catastrophique, pour un compositeur contemporain de faire voisiner sa nouvelle pièce avec les chefs-d’œuvre du passé. Mais réjouissante, car Vincent Paulet s’inscrit volontiers dans cette tradition française dont sont issus Dukas et Ravel, et que le Concerto en sol est l’une des œuvres qui l’ont beaucoup marqué lors de sa formation.
Yannick Alirol
Translation (extract) :
"a rare and fascinating nocturnal poetics, assailed with broken and frenzied parts. A work of a thematic economy skillfully used to advantage and of an ecstatic beauty both sober and morbid, which recalls Falla, of course, but also Dutilleux and other great contemporaries who, on the verge of the tonal abyss, never fall into it."
Juan María Rodríguez
VÉRONIQUE LE GUEN (orgue)
Chœur Les Éléments, dir. JOËL SUHUBIETTE
Vincent Paulet : L’oeuvre d’orgue ; De profundis pour chœur mixte ;
Suspiros pour chœur mixte, ténor solo et quatre cordes
HORTUS 036
Quand retentissent dès le début du disque les accords profonds de tierces graves du De Profundis, que vont perturber avec un sens tragique de poignantes dissonances dictées par les accents du texte et de l’âme, on sait d’emblée que l’on est en présence d’un authentique créateur, capable de retrouver les valeurs éternelles véhiculées par les grands textes latins et d’apporter un éclairage personnel et actuel à l’écriture chorale. Le premier disque monographique consacré au compositeur quadragénaire Vincent Paulet laisse une empreinte émotionnelle indélébile, et on comprend que Joël Suhubiette, l’un des meilleurs chefs de chœur actuels, lui soit fidèle ; il tient d’ailleurs l’atmosphère envoûtante de cette grande œuvre avec une intense concentration. Un autre type de parcours par-delà les siècles anime Laus pour orgue, où l’on part de l’harmonie médiévale pour gagner insensiblement une écriture instrumentale très moderne ; Véronique Le Guen s’y meut avec une aisance confondante et tire le meilleur parti des timbres de l’orgue Pascal Quoirin de Saint-Rémy de Provence. Certes, la formation d’organiste reçue par Vincent Paulet l’aide à trouver les solutions les plus idiomatiques pour soutenir son propos ; il sait repartir du legs historique véhiculé par l’instrument pour apporter sa pierre à l’édifice, ainsi que le montrent les trois autres pièces ici gravées. Véronique Le Guen trouve fort expressivement les voies de ce cheminement inscrit dans un esprit de continuité. L’oeuvre la plus récente, Suspiros sur des poèmes mystiques espagnols, fait ressentir physiquement l’angoisse de la quête pressante de ce Dieu qui ne répond pas ; le chœur s’y adjoint quatre instruments à cordes solistes utilisés de fort judicieuse manière. Un vrai tissu entre solistes vocaux et instrumentaux se noue au fil de cette bouleversante mais impétueuse déploration ; la qualité de chaque pupitre de l’ensemble Les Éléments s’y révèle pleinement ; toute la violence intérieure de la ferveur mystique espagnole est ainsi recréée. La prise de son exploite savamment les acoustiques des églises où le chœur et l’orgue ont été captés, prolongeant les climats suscités par les interprètes. L’année s’ouvre donc par un magnifique programme de musique contemporaine, de ceux qui prouvent indiscutablement qu’un créateur actuel peut toucher le cœur des mélomanes.
Sylviane Falcinelli
De Profundis de Vincent Paulet
Parce que la musique contemporaine n’est pas l’apanage d’un cénacle de grammairiens obsédés par la forme et la technologie musicales, il est toujours possible de découvrir avec enchantement des œuvres inouïes, d’une profonde beauté, qu’une génération de jeunes compositeurs s’emploie à ciseler avec patience et invention.
S’inscrivant dans une lignée ininterrompue de compositeurs de musique sacrée, Vincent Paulet nous propose, dans le langage de son temps nourri des nombreuses influences de ses prédécesseurs, une voix nouvelle pour chanter Dieu. Chant de louange confié aux milliers de flûtes de l’orgue (Laus), chant de deuil pour chœur a capella (De Profundis), d’émerveillement (Ave maris stella) ou d’intercession (Salve Regina), cette musique profondément originale invite à contempler le mystère d’un Dieu présent au cœur de l’homme avec une écoute renouvelée et d’une éblouissante fraîcheur.
Les interprètes sont à la hauteur du défi, faisant oublier la très haute virtuosité de ces pages pour laisser paraître en pleine lumière le grand souffle d’une inspiration véritable et fervente.
Pascal Marsault
El Trío Controverse y el Cuarteto Ravel en una tradicional convocatoria hispano-francesa
« … El Cuarteto Ravel interpretó el segundo «Cuarteto» de Paulet, «en forma de estudios». En efecto, se suceden cinco pequeñas piezas, rematadas por un epílogo, en cada una de las cuales se investiga acerca de otras tantas técnicas de ejecución «tempí», « pizzicati », intervalos, armónicos y arcadas. Por encima de la cualidad casi didáctica del
planteamiento, cada pieza demuestra la innata musicalidad del autor.
… Concluyó el concierto con la fusión de ambos conjuntos para la interpretación, bajo la eficaz dirección de Tomás Garrido, de la hermosa obra que Vincent Paulet había escrito expresamente para la ocasión: « Le grand Stellaire ». En ella atiende cumplidamente Paulet tanto a las posibilidades como a los condicionamientos del Trío Controverse, y utiliza el cuarteto de cuerda para explotar al máximo su rica intuición armónica y, al paso, lograr una sonoridad casi orquestal, tan nueva como atractiva. Esto, lejos de implicar sonido como «masa», se traduce en riqueza tímbrica. Al final, el resultado se diría «muy francés ». Ante la ausencia de espacio para (intentar) explicar esto, digamos que, durante la escucha, aleteó el recuerdo de Debussy. »
José Luis GARCÍA DEL BUSTO
FALCINELLI Sylviane, "Vincent Paulet ou la fécondité des contradictions", L’Éducation musicale, n° 521/522, 2005
FLORIN Ludovic, "Entretien avec Vincent Paulet", Euterpe, n° 19-20, 2011/12
LEBRUN Eric, "Vincent Paulet", Guide de la musique d’orgue, Fayard, 2012
PIAT Françoise, "Vincent Paulet, compositeur", Lettres d’Orgue, n° 5, 1997
ROLDAN HERENCIA Gonzalo, "Vincent Paulet", Ritmo, n° 799, Madrid, 2007
ROUET Pascale, "La Messe de Vincent Paulet", Préludes, n° 60, 2008
ROUET Pascale and MARCHAND Christophe, Enquêtes sur le Sacré dans la musique d’aujourd’hui, Delatour, 2011
ROUET Pascale, "L’atelier de Vincent Paulet", Orgues Nouvelles, n° 23, 2013
SABATIER François, "Tendensen in de hedendaagse orgelmuziek in Frankrijk", Orgelkunst, n° 100, 2003
STRAEHLI Benjamin, "Entretien avec Vincent Paulet", Musique sacrée - l’Organiste, n° 337, 2022
BALMER Yves, Pour une introduction au courant tonal en France dans le dernier quart du XXème siècle, mémoire d’Histoire de la Musique, C.N.S.M. de Paris, 2001